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Ada
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Mensaje por Ada » Mar Jun 25, 2013 12:01 pm

Il Postino
Plácido Domingo cierra la temporada del Teatro Real

Esta ópera en tres actos del compositor mexicano Daniel Catán se estrena por primera vez en España de la mano de Pablo Heras Casado como director musical y de Ron Daniels como director de escena.

La historia con resonancias políticas de la ficticia amistad de Pablo Neruda con el cartero de una isla italiana, a quien el poeta ayuda a conseguir a su amada, es el tema de fondo de esta nueva producción del Teatro Real en la que la música corre a cargo del tenor Plácido Domingo, del Coro Intermezzo y de la Orquesta Sinfónica de Madrid.

Este argumento ya obtuvo un éxito sobresaliente en la versión cinematográfica de título homónimo, la cual consiguió el Oscar a la Mejor Banda Sonora, dirigida por Michael Radford, protagonizada por Massimo Troisi y Philippe Noiret y basada en la obra 'Ardiente paciencia', del escritor chileno Antonio Skármeta.

El tenor madrileño Plácido Domingo encarna al poeta chileno en esta ópera, cuyo libreto es obra del compositor mexicano Daniel Catán. Éste falleció en abril de 2011 de forma inesperada, dejando como legado 'Il postino', la última de sus óperas.

En el año 2010 Plácido Domingo ya llevó a los escenarios esta versión lírica de la novela de Antonio Skármeta al frente del grupo de la Ópera de Los Ángeles en el teatro de Châtelet de París. Ahora vuelve a hacerlo en su estreno en España define la música de Daniel Catán como la de un 'Debussy sudamericano' que destila sonoridades sugerentes y profundas.

Del 17 al 28 de julio


Pissarro
Un viaje por la vida de uno los pioneros del impresionismo.

El Museo Thyssen Bornemisza presenta la primera exposición monográfica en España de Camille Pissarro, redactor de la carta fundacional del Impresionismo y único pintor que participó en las ocho exposiciones del movimiento.

La muestra, que cuenta con más de setenta obras del artista, pretende reinvindicar la figura de Pissarro, eclipsada en su época por la gran popularidad que algunos de sus compañeros alcanzaron, muy especialmente Monet.

El paisaje, género que domina la producción del pintor, es el eje de la muestra, que visita cronológicamente los lugares donde el artista residió y pintó, desde pueblos como Pontoise o Eragny a ciudades como París o Rouen. La exposición ha sido comisariada por Guillermo Solana.
(HAsta el 15 de septiembre)
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Ada
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Mensaje por Ada » Lun Jul 01, 2013 3:53 pm

La Academia de Cine rendirá homenaje a Sara Montiel
Proyectará 'Locura de amor' y 'El último cuplé', dirigidas por Juan de Orduña, así como 'La violetera', de Luis César Amador
La Academia de Cine rendirá un homenaje la próxima semana a Sara Montiel con la proyección de varias de sus películas, con el fin de recordar a la actriz y cantante manchega, fallecida el pasado 8 de abril.

En concreto, las películas que se exhibirán son 'Locura de amor' y 'El último cuplé', dirigidas por Juan de Orduña. La primera historia contará con la presentación del fotógrafo Pepino Marino y el periodista Crawford, pareja artística muy vinculada al cine español, mientras que la cantautora María Ordóñez interpretará 'Fumando espero' como introducción de 'El último cuplé'.

El ciclo se completa con 'La violetera', de Luis César Amadori. A esta conocida producción dará entrada la transformista e imitadora Pupi Poisson.

María Antonia Abad Fernández (Ciudad Real, 1928), conocida artísticamente como Sara Montiel, fue la primera artista española en triunfar en Hollywood y saltó a la fama internacional por protagonizar las películas 'El último cuplé' y 'La violetera'.

En el séptimo mes del año, la Academia también dedicará una sesión a los trabajos realizados por el actor, director y escritor Eusebio Lázaro, de quién se presentarán dos de los cinco documentales destinados a importantes figuras del arte contemporáneo, los protagonizados por Tàpies y Miquel Barceló.

Leer más: http://www.lavanguardia.com/local/madri ... z2Xo2H0pQC
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Mensaje por Ada » Mar Jul 23, 2013 5:09 pm

¡NEKO ilegaliza tu dinero!
by El Asombrario & Co.
Cero_Euros_1_Capital_Ilegal_Neko_2013

Entrevista con Neko publicada en El Asombrario

NEKO was here. NEKO estuvo aquí. NEKO ha estado en todas partes: empezó en las paredes del Madrid de los 90 y ha acabado en Toronto, París, Nueva York; en las páginas de Dazed&Confused o Vice. Fachadas de hoteles vacíos, escaparates, libros, furgonetas. Nada se salva de sus intervenciones ni sus rociadas de spray ácido, ni las paredes de ARCO ni las marquesinas ni los muros del metro. Su próxima parada: la Galería Fernando Herencia, donde se encontrará con todo el que se atreva a una experiencia única, radical y provocadora. Una experiencia NEKO.

ESTHER GARCÍA LLOVET(entrevistadora de ElAsombrario)

Empezaste a hacer graffiti a finales de los 90. ¿Podrías hacernos una corta biografía o "grafitografía" de estos quince años? ¿En qué y cómo has evolucionado?

Cuando cuento que empecé a pintar con 13 años, no pretendo decir que mi trabajo a esa edad formaba parte de la escena. Todo lo que me relacionaba con el graffiti era absolutamente intuitivo, misterioso e infantil. Por aquella época no había mucha más información que la que provenía de las paredes. Y eso me enamoró.

Considero que es en 2007 cuando empiezo a reflexionar seriamente sobre lo que estoy haciendo. A partir de ese momento, cada acción pretende ser un pequeño diario conformado por pequeños diálogos anónimos con el viandante. A veces en forma de graffiti, y otras en forma de intervención. Afortunadamente... No todos los días estoy del mismo humor.

Me interesa lo que tiene de público y de privado el graffiti, a veces es difícil saber si se busca un soporte en concreto por lo que tiene de visible o por lo que tiene de inaccesible. ¿Has realizado algún graffiti en sitios que sólo sabes tú o por lo complejo de su acceso? ¿Hay algún "NEKO was here" en algún lugar que nadie ve? ¿Crees que el "vandalismo" puede ser algo también privado?

En mi opinión, un graffiti es una apropiación sin permiso de un soporte privado. Eduardo Lamparero escribió en mi anterior exposición "One Name Army" el año pasado; "¿Dónde existen las obras de Arte Urbano? Las obras no existen, coexisten. Nunca en las paredes blancas, sino en los espacios que se apropian". No puedo estar más de acuerdo con esa afirmación.

Pinto mas en la calle que en el taller por lo interesante del proceso. A veces busco visibilidad y otras sorprender. Está claro que una parte del graffiti consiste en dejarse ver, pero eso es solo la punta del iceberg. Hace ya mucho tiempo que quedó atrás.

¿Tus graffiti cambian según el lugar? ¿Te adaptas a Nueva York o a Madrid o a Barcelona?

Por supuesto. No se trata de solo de pintar, sino de intervenir. Si no he desarrollado un vínculo con el lugar en el que me encuentro, probablemente no trabaje en absoluto. Nueva York y París son un marco estupendo para mis intervenciones con luz en marquesinas. No es que en Madrid no funcionen, pero estamos hablando de las cunas de la luz y la publicidad. Allí adquieren una magia especial. En Barcelona, el plan es siempre relajado y sin pretensiones. Disfrutar pintando en el centro y alguna exposición o concierto entre amigos. En Madrid, mi graffiti se adapta no solo a mobiliario y superficies, sino a barrios y vecinos.

¿El anonimato en tu caso es un lujo o una necesidad?

Entiendo la fascinación que ejerce pero la fama es algo que no me mueve en absoluto. Tengo muy claro que esta es una consecuencia de mi trabajo y no un objetivo. No comprendo porqué cada vez mas gente quiere hacerse famosa a toda costa. Si con cercanía, las cosas se disfrutan mejor.

El anonimato comenzó siendo un juego de identidades. Me gusta contribuir al caos y distorsionar mi imagen. NEKO se ha mostrado en medios de multitud de maneras. Os invito a que busquéis por ahí y os echéis unas risas. Pues prefiero disfrazarme y sorprenderme a cumplir con el estereotipo de artista.

Has utilizado logotipos de marcas muy reconocibles: Chanel, Coca-cola, Starbucks. Ahora que las marcas no sólo representan un objeto de consumo y ahora que tú mismo eres popular y reconocible, ¿qué dirías que representa la marca NEKO?

NEKO es una marca que no vende nada.

Un graffiti tiene algo de la inmediatez y fugacidad de un anuncio. ¿Te influye en algún sentido la publicidad?

Desafortunadamente, la publicidad se basa más en la persuasión que en la información. Y eso es algo que me produce rechazo antes que admiración. Por muy interesante que sea una gráfica o una campaña, al final el mensaje queda reducido a: ¡consume!

En Madrid, el espacio público está a disposición exclusiva del interés privado y eso ha marcado profundamente mi vida y por lo tanto mi trabajo. Lo sorprendente es ver cómo, con los años, el diálogo se ha invertido y ahora es la publicidad la que bebe del graffiti y del arte urbano, desgraciadamente sin consideraciones que vayan más allá de las estrictamente comerciales.

NEKO x FALANSH x ONEBEEF from F * L * N * S * H LeModusOp on Vimeo.Trailer cortesía de FALANSH sobre la intervención de varios artistas en el edificio de la Plaza de España de Madrid. Mas info aquí.

Tienes la impresora 3D. ¿Piensas utilizarla para algún tipo de intervención? ¿Te adaptas tú al soporte o buscas uno nuevo según lo que vayas a realizar?

No soy ni mucho menos un experto, pero gracias a los chicos de "Buenos Días" me mantengo al tanto de los avances tecnológicos más punteros. La impresión 3D me tiene atrapado. Las posibilidades a las que ahora tenemos acceso son impresionantes y van en aumento. Creo firmemente que es una herramienta que representa un avance gigantesco y que puede ayudarnos a construir un futuro mejor.

De momento no puedo adelantarte mucho de mis proyectos, pero en breve tendréis noticias al respecto.

En tu próxima exposición vas a intervenir billetes reales, de curso legal, para que luego los espectadores decidan si quieren conservarlos o utilizarlos como moneda corriente. ¿Con esto pretendes devaluar o revalorizar el billete en concreto? ¿Por qué esto?

Capital Ilegal mantiene el espíritu de NEKO en la calle. Pintar cuadros no tiene absolutamente nada que ver con el graffiti. Sin embargo, pintar en billetes es ilegal y por lo tanto, cuando la casa de la Moneda los detecta, sucede exactamente lo mismo que con mi graffiti en la calle: desaparece.

En la galería, los billetes de 5€, 10€ y 20€ se cambiaran in situ por billetes intervenidos de idéntica cuantía. Los de 50€, 100€, 200€ y 500€ se expondrán para su venta.

Las piezas pretenden entablar un dialogo abierto con todos aquellos que os paséis a visitarlas. Como en la calle, las opiniones, espero, serán dispares. Algunos "revalorizarán" los billetes intervenidos adquiriéndolos comercialmente, quizá otros se hagan con ellos de manera gratuita intercambiándolos, otros tantos se limitarán a adquirir el billete para luego "reinvertirlo" y finalmente algunos no participarán. Nada esta prohibido, todo está permitido.

¿Tú qué miras?
Olvídalo.

Capital ilegal de NEKO, Galería Fernando Herencia. C/ Ruiz de Alarcón, 27. Hasta el 3 de agosto.

http://vandalismoilustrado.tumblr.com/

http://elasombrario.com/2013/07/23/neko-ilegaliz/
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Rogorn
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Mensaje por Rogorn » Mar Ago 20, 2013 10:16 am

De paseo por las esquinas del Arte
Rafael Fraguas - elpais.com - 20/08/2013

Madrid tiene, desde la primavera, un museo en miniatura. Atesora más de 800 modelos de esos singulares cofres rectangulares de madera ornamentada, los marcos, que sirven para realzar y conservar las obras de arte.

Su historia comienza así: alborea el siglo XX. El pintor valenciano Joaquín Sorolla se halla a pleno rendimiento en el apogeo de su vida artística. Un buen día, entre destellos de sol levantino y aromas de esencia trementina, decide por su cuenta acentuar la expresión emanada de sus pinceles y ceñir, resaltándolas, las hebras de color que impregnan sus lienzos. Su ardiente deseo es el de idear él mismo los marcos, los recuadros de sus obras. Fascinado por las técnicas empleadas por carpinteros, ebanistas y las de aquellos artesanos vinculados al trabajo con la madera y la marquetería, entra en contacto con un constructor de carros de nombre José Cano. Le plantea su proyecto. Cano se muestra receptivo: pronto participa de su mismo entusiasmo y pone a su servicio sus conocimientos adquiridos durante años de oficio carretero. De allí surge una aventura artística que se prolonga hasta la muerte de Cano, en 1922 y cuya estela alcanza hasta nuestros días ya que, muy poco después de aquel primer encuentro, cristaliza en un despliegue de las históricas técnicas de enmarcado de cuadros, a cuyo conocimiento y destreza Cano se aplicó con ahínco.

Tras formarse en viajes al extranjero, Cano y sus descendientes, tres generaciones completas, asentados primero en el Paseo del Prado y desde esta primavera entre el museo del Prado y el Retiro, han llegado a convertirse en uno de los más importantes proveedores de marcos para las obras del arte universal que atesoran tanto el Museo del Prado, como los Museos Vaticanos, la Galería Thyssen-Bornemisza o el madrileño palacio de Liria, como escribe la experta María Pía Timón Tiemblo. “Otros renombrados centros de Arte, como la National Gallery de Londres y el Metropolitan de Nueva York, han recibido exposiciones procedentes del Prado enmarcadas por la firma española”, explica Paz Jusdado, que regenta el museíto madrileño cercano al Retiro.

Quien pasee por Madrid estos días puede contemplar el resultado de aquella colaboración entre Sorolla y Cano, incluso el banco de trabajo done laboraron juntos: se encuentra en el pequeño museo que lleva el nombre de aquel afortunado carretero devenido en uno de los principales especialistas mundiales en el enmarcado de lienzos. Obras universales como La Sagrada Familia del Cordero, de Rafael Sanzio; Autorreatro, de Alberto Durero; La Virgen de los Dolores, de Tiziano; La maja vestida, de Francisco de Goya… telas de Francisco de Zurbarán, José de Ribera, El Greco, Hans Memling, Joachim Patinir…decenas de otros logros de grandes pintores de universal nombradía, cuando sus marcos originales se han avejentado o consumido por el correr del tiempo, se han visto repuestos por los marcos elaborados en la estela del saber acuñado durante más de un siglo por los herederos de aquel carretero levantino.

El Museo Cano 1907 se encuentra a la espalda del Museo del Prado, en la esquina de las calles de Moreto y Alberto Bosch. El local, de dimensiones reducidas, fue anteriormente sede de una naviera y de una agencia de viajes. Si el paseante penetra en el museíto, en la planta que ocupa a pie de calle de un edificio de ladrillo con revocos blancos, su mirada le permitirá recorrer la estela seguida por la Pintura europea desde la Edad Media hasta el siglo XIX a través de decenas de modelos de marcos que complementaron sus principales joyas.

El primer testimonio de la existencia de marcos en España se encuentra en una miniatura del códice de las Cantigas de Santa María. Data del siglo XIII y se halla en el monasterio de San Lorenzo de El Escorial. En ella se representa a un monje que, desde la montura de un caballo, recoge un cuadrito con marco dorado que le ofrece una mujer desde el interior de una estancia de cuyas paredes penden otros cuadros enmarcados.

Años después, comenzó a desplegarse aquella misma técnica que no solo realzaba las obras de arte, sino que también las protegía. Además, se convirtieron en receptoras de las modas y estilos de cada época. Así, ya en la Baja Edad Media, la ornamentación gótica vino a resaltar y perpetuar el arte religioso de su tiempo, con marcos tachonados por cornisas, arcos conopiales lobulados, pináculos, florones, arquillos entrelazados, hojas pinjantes y vierteaguas, es decir, pies inclinados de la base del marco, a veces con inscripciones en letras de esmerada caligrafía. A partir de entonces, la impregnación de los marcos con láminas de metales áureos se convirtió en un aditamento asociado al enmarcado de pinturas y ello mediante un procedimiento denominado “dorado al agua con pan de oro fino”.

A medida que avanzaban los tiempos, los cantos, entrecalles, filos y contrafilos de los marcos iban incorporando otros elementos decorativos y nuevas técnicas ornamentales, desde la sarta de perlas a las pilastras o pilastrillas, con macollas o nudos, amén de entorchados y rosetas, entre los primeros; y de las técnicas, las del estofado, el bruñido o el trepanado, entre muchas otras aplicadas. La combinatoria de unos y otras permitió una diversidad extraordinaria, de la cual se sirvieron muchos artistas y propietarios de obras de Arte para poner en valor sus ajuares.

El Realismo español del siglo XVII, con su ascética formal, abordó el enmarcado en una clave austera que logró su cumbre en 1656 con Las Meninas, de Velázquez. Una vez perdido su bastidor primitivo, Cano y sus legatarios recibieron el encargo del Prado de insertar su preciosa tela en un marco rectangular de ébano negro, con un especialísimo tallado en rizo de su filo, su canto interior que, con la oscuridad de su silueta, realza más, si cabe, la grandiosa pintura. El Barroco, con su horror al vacío, y el Neoclásico, con su rigidez inicial y su derroche rococó, vinieron a agregar nuevos estilos de enmarcar, que culminaron en los profusos decapados tan caros a los marcos de las obras de los pintores impresionistas.

Más de 800 modelos de marcos posee la colección Cano, una de las más importantes del mundo. Allí, el curioso podrá ver cuál es la sección del marco de 3,18 metros por 2,76 metros del celebérrimo lienzo de Velázquez que representa a las infantas de Felipe IV, o las edículas, esa suerte de teatrillos lujosamente decorados en sus dinteles y jambas, que magnifican sobremanera las telas renacentistas que contienen, como el que orla la prodigiosa Sagrada Familia del Cordero, del impar Rafael.

Son centenares las variantes que presenta el mundo del enmarcado. Orejetas, cantoneras, cantos, entrecalles, filos, contrafilos componen la secuencia elemental de los marcos, cada uno de ellos ornamentable aún con cornisas, frontones y frisos aderezados por cornucopias. De la figuración decorativa destacan roleos, palmetas, acantos, cardos y follajes diversos; todos ellos fueron tratados mediante elaboradas técnicas artesanas que se sirven de utensilios como las peludas pelonesas, brochas sin mango destinadas a recoger el pan de oro desde el pomazón, una caja de piel fina protegida del viento para tratar el metal áureo, amén de serruchos, pinceles, martillos, cinceles…Todo un mundo artesanal donde junto al pan de oro de los bañados que suelen acompañar los enmarcados, surgen en ocasiones las incrustaciones de carey, los cabujones, las diseños en forma de gemas, perlas, puntas de diamante…La jerga es infinita, al igual que las combinaciones que tan variado elenco permite a los artesanos desde hace tres generaciones. Cuentan con el legado del saber de muchas otras precedentes y laboran una disciplina que, en ocasiones, alcanza el rango mismo del Arte, por su perenne belleza.

Cano 1907. Horario de verano: de 11.00 a 14.00 y de 17.00 a 20.00. Entrada libre. Horario de invierno: de 11.00 a 19.30. Calle de Moreto, 13, esquina Alberto Bosch.

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Mensaje por agustinadearagon » Mié Ago 28, 2013 7:57 am

Muchas gracias Ro
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Mensaje por Rogorn » Mié Ago 28, 2013 6:59 pm

El nuevo Teatro Quevedo ya tiene las primeras de sus 150 butacas
elpais.com - 28/08/2013

La primera butaca del nuevo Teatro Quevedo de Madrid se ha colocado esta mañana haciendo realidad el proyecto del joven productor Luis Antonio Rodríguez, que se baja de las tablas para dirigir esta nueva sala de apenas 150 localidades y el objetivo de "desafiar la subida del IVA cultural". Al acto han acudido las actrices Ana Carvajal, Esther del Prado, Pilar del Río y Claudia Azcona, protagonistas de la obra de Moncho Borrajo Las cortesanas, que inaugurarán el 18 de septiembre esta sala, creada donde antes había un concesionario de coches, en la calle de Bravo Murillo, 18.

"El handicap de este teatro es el espacio, pero prefiero tener pocas butacas ocupadas a muchas sin llenar y que den sensación de vacío", ha declarado Rodríguez, alicantino de 26 años, en rueda de prensa, informa Efe. "Sin ningún tipo de subvención pública" y con una inversión privada que se sitúa entre los 400.000 y los 600.000 euros, el productor ha sido capaz de transformar un antiguo concesionario de coches en un pequeño templo para la cultura.

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Mensaje por Rogorn » Lun Sep 02, 2013 12:07 pm

Ruta guiada por el Madrid del Capitán Alatriste 08 de septiembre

Madrid es Tuyo te presenta un nuevo paseo guiado de la mano de Carpetania: España y Madrid durante el Siglo de Oro. La época de Felipe IV. El Conde Duque de Olivares. Quevedo, los galanes de monjas, los espadachines... un recorrido por los espacios que recorren y/o habitan los personajes de El Capitán Alatriste de Arturo y Carlota Pérez Reverte.

No era el hombre mas honesto ni el más piadoso, pero era un hombre valiente.Se llamaba Diego Alatriste y Tenorio, y habia luchado como soldado de los tercios viejos en las guerras de Flandes.Cuando lo conocí malvivía en Madrid, alquilándose por cuatro maraverís en trabajos de poco lustre, a menudo en calidad de espadachín por cuenta de otros que no tenían la destreza o los arrestos para solventar sus propias querellas [...] el Capitán Alatriste, por lo tanto, vivía de su espada.

Nota: Paseo que toma referencia el primer libro de la serie y parte del segundo que transcurren en Madrid. (Durante el paseo vamos identificando espacios y escenarios que aparecen en sus páginas).

Recorrido: Plaza de Oriente (estatua de Felipe IV), Iglesia-monasterio de la Encarnación, Plaza de los Caños del Peral, Iglesia de San Ginés, Calle Mayor, Plaza Mayor y Cárcel de Corte...

Duración de la ruta: 2 horas 10 minutos aprox.

Hora de presentación del cliente: 11 :15 h.

Lugar de presentación: Plaza de Oriente (junto a la escultura ecuestre de Felipe IV).

Incluye: paseo a pie guiado y documentación.

Requisitos especiales: movilidad para pasear.

http://www.madridestuyo.com/actividades ... -alatriste

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Mensaje por agustinadearagon » Lun Sep 02, 2013 12:30 pm

Muchas gracias, Ro. Me lo apunto. Es probable que vaya.
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Mensaje por nexus6 » Lun Sep 02, 2013 4:15 pm

Gracias, Boss.
Yo he visto cosas que vosotros no creeríais. Atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto Rayos-C brillar en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia.Es hora de morir

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Mensaje por Ada » Lun Sep 02, 2013 4:22 pm

¿se trata de la misma visita que hicimos hace seis años?
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Mensaje por agustinadearagon » Mar Sep 03, 2013 7:03 am

No se. Yo hace seis años no fui.
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Mensaje por Ada » Lun Sep 09, 2013 4:33 pm

Duraba unas dos horas y no tengo mal recuerdo, la verdad :o
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Mensaje por Rogorn » Mar Sep 10, 2013 10:10 pm

Los Macchiaioli, los ocultos pioneros del impresionismo
Ángeles García - elpais.com - 09/09/2013

La palabra macchia significa mancha en italiano y Macchiaioli (manchistas) fue el despectivo término que sirvió para bautizar al grupo de pintores que en 1855 iniciaron una búsqueda de la luz que les convertiría en los precursores de los impresionistas franceses, de los creadores del movimiento más determinante de la historia del Arte. Con Florencia como escenario, este grupo renovó el concepto de pintura existente hasta entonces en Italia e influyó de manera definitiva en el arte español del XIX. Los nombres más importantes fueron Giovanni Fattori, Giovanni Boldini, Giussepe Abbati, Silvestro Lega y Telemaco Signorini.

Si hubiera que resumir en unas pocas ideas las señas de identidad de los Macchiaioli, habría que hablar de búsqueda de la luz capturada con el máximo realismo, entrega total a la naturaleza, amor incondicional al Quatrocento, compromiso con la unificación de Italia y pasión por la fotografía.

Bajo el título de 'Macchiaioli. Realismo impresionista en Italia', la Fundación Mapfre abre mañana al público una exposición en la que por primera vez se pueden ver en España las obras esenciales de los pintores que integraron este peculiar movimiento. Coproducida con los museos Orsay y L’Orangerie de París, se muestra un centenar de obras prestadas por museos públicos y colecciones privadas italianas, casi exclusivos propietarios de la producción de todos estos artistas. Guy Cogeval, presidente de los museos franceses, asegura que “es imposible encontrar fuera de Italia pinturas de los Macchiaioli. Parece que hubiera un deber patriótico en que las obras no salieran de Italia y se han protegido de manera exagerada. Nosotros, al menos, no tenemos ninguna”.

Como arranque, la exposición muestra obras de pequeño formato en los que se ven los lugares donde se origina el grupo. Son escenas del Café Michelangiolo, el local en el que desde 1852 se reunían los artistas florentinos y algunos otros procedentes de Italia. Situado en la plaza del Duomo, sus ilustres clientes tienen en común la búsqueda de la sencillez que exhibe en sus paisajes de escenas campestres e interiores de viviendas burguesas (siempre sobre tablas de pequeños formatos). Un hombre, el crítico Diego Martelli, profusamente retratado, será su mecenas y protector. Desde sus posesiones en la campiña toscana, pintan los más bellos paisajes.

María López, una de las comisarias de la exposición, explica ante los cuadros pintados al aire libre que éstos constituyen, sin duda, la mayor señal de identidad del grupo. A menudo trabajan juntos un mismo paisaje. Lo hacen sin solemnidad, con mucha poesía. Eluden la instantaneidad o la hora fugitiva. Sus paisajes están llenos de reflexión, a diferencia de la inmediatez impresionista. La campiña toscana les permite, con sus monjas y campesinos, mostrar la verdad de la Naturaleza”. Para la comisaria, 'Las aguadoras de Livorno', de Giovanni Fattori, es un ejemplo perfecto de la concepción del género que tenían estos artistas.

El movimiento nacional patriótico que se crea en la península italiana a comienzos del XIX inspira una gran parte de las obras de la exposición. Todos estos artistas fueron además soldados y cronistas armados con sus pinceles en las batallas en las que participaron. Las composiciones llenas de color con soldados que luchan o han caído heridos no son un canto al belicismo como hasta entonces ocurría. Los Macchiaioli impregnan sus telas de desencanto y soledad. María López señala como ejemplo de esta particular mirada la obra 'De guardia' (1871), de Giovanni Fattori, en la que a base de planos octogonales de muestra de manera sobrecogedora la soledad de los soldados. De Fattori es también 'El jinete estribado', una obra en la que se ve a un soldado muerto que es arrastrado por su caballo y que representa la decepción de los jóvenes ante una nueva Italia dominada por las élites. Cineastas como Luchino Visconti o Mauro Bolognini inspiraron algunas de sus grandes películas en estos cuadros. La similitud se puede ver en los fragmentos que se proyectan en una de las salas.

El retrato y las escenas íntimas sustituyen a las bélicas durante los últimos años de actividad del grupo. En una etapa en la que la experimentación da paso a la serenidad y los artistas se vinculan a la burguesía florentina. Es también en esta segunda etapa en la que se inspiran con más empeño en el Quattrocento para construir un arte nacional. Hombres y mujeres son retratados en sus escenarios cotidianos sin la menor pompa, pero con toda la elegancia de los interiores de las casas pudientes de la época.

El final de la exposición está dedicado a Mariano Fortuny (Reus, 1838-Roma, 1874). El artista español no formó parte del grupo de los Macchiaioli, aunque si se inspiró en las mismas fuentes artísticas. Sus paisajes creados a golpe de planos sucesivos y dominados por los claroscuros, recuerda mucho a los paisajistas italianos. Fortuny experimentó esta peculiar forma de expresión en un momento de incertidumbre en el que el éxito parecía superarle. La naturaleza le tranquilizó y le dio unas claves que sedujeron después a muchos de los grandes pintores españoles del XIX.

http://cultura.elpais.com/cultura/2013/ ... 61472.html

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Mensaje por Ada » Mié Sep 11, 2013 12:15 pm

Las galerías de Madrid inauguran sus exposiciones a la vez para celebrar el inicio de la temporada

Con la llegada del otoño se acerca uno de los acontecimientos más esperados por los amantes del arte: Apertura 2013, el inicio de la temporada de las galerías madrileñas. La cuarta edición de esta iniciativa se celebrará el fin de semana del 19 al 22 de septiembre, en el que Madrid volverá a convertirse en el epicentro del arte contemporáneo.

Cerca de cincuenta galerías inaugurarán simultáneamente sus exposiciones de la temporada en unos días en los que la Asociación de Galerías ARTE_Madrid atraerá a coleccionistas, expertos y comisarios.

Galerías de arte de Madrid
Desde la asociación organizadora afirman que “el objetivo de Apertura es abrir todas estas actividades a los ciudadanos”. Durante la presentación del programa de actividades, subrayaron la importancia de la cultura y el arte en nuestro país y las dificultades por las que atraviesa actualmente. “Las galerías somos actividades culturales gratuitas con presencia permanente en Madrid”, añaden.

Se podrán ver muestras de creadores internacionales como Carlos Cruz-Diez, John Isaacs, Dan Flavin o Luis Camnitzer que se combinan con individuales de españoles como Jacobo Castellano, José Ramón Amondarain, Lluís Hortalà o Alicia Framis y clásicos como Pablo Gargallo o Juan Genovés. También se podrá disfrutar de la obra de emergentes latinoamericanos Ximena Garrido-Lecca, Laureana Toledo o José Hidalgo, entre otros.

Recorridos guiados
Este año, se ofrecen cuatro recorridos guiados por las diferentes zonas de galerías. Además, el programa incluye visitas a las colecciones privadas de arte de Inelcom y Jimmy Belilty, así como una ampliación por los recorridos privados a la colección del Museo Reina Sofía, de la mano de su director, Manuel Borja-Villel y su directora de colecciones, Rosario Peiró.

Otra de las grandes novedades de esta edición será la celebración del primer art happening Kreëmart que se lleva a cabo en España, gracias al apoyo de Absolut Vodka, con la artista cubana Glenda León. La intervención tendrá lugar el sábado 21 en la Fundación Lázaro Galdiano y mezclará arte y repostería.

Performances y brunchs
Fiestas, actos sociales, brunchs y amplios horarios de apertura en las galerías completan las propuestas de cuatro días en Madrid dedicados al arte contemporáneo.

La Asociación de Galerías ARTE_MADRID, entidad organizadora, fue fundada en el año 2000 y actualmente se compone de 48 galerías asociadas, distribuidas fundamentalmente en tres barrios de la capital: Barrio de Salamanca, Plaza de las Salesas y Barrio de las Letras.

Apertura 2013
Del 19 al 22 de septiembre
ARTE_MADRID

http://www.artemadrid.com/
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Ada
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Mensaje por Ada » Lun Sep 23, 2013 11:29 am

El lunes 23 de setiembre (19,30)se podrá ver el documental Cien Miradas de Enrique Meneses en La Fábrica (Alameda,9 Madrid).
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Rogorn
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Mensaje por Rogorn » Lun Sep 23, 2013 11:53 pm

Velázquez en el Prado, el regreso
Iker Seisdedos - elpais.com - 22/09/2013

Cuando los responsables del Prado anunciaron en mayo sus previsiones de perder un cuarto de visitantes este año para a continuación explicar que el programa expositivo hasta diciembre podría corregir la tendencia, hubo quien imaginó que la muestra del Velázquez tardío prevista para otoño sería, dado el bestial recorte presupuestario de un 30%, poco más que una decente huida hacia delante: un gran nombre capaz de atraer a miles de visitantes, una recolocación de los fondos fabulosos de la pinacoteca… y a otra cosa. Nada más lejos de la realidad. Si bien la muestra de aire exquisito 'Velázquez y la familia de Felipe IV',formada por 30 piezas y comisariada por Javier Portús, no será un exhaustivo repaso a la trayectoria del pintor (al estilo de la histórica exposición de 1990 que batió todas las marcas), sí aspira a convertirse desde el 8 de octubre en todo un acontecimiento científico y artístico.

“Nos permitirá llenar dos de las lagunas fundamentales sobre la obra del pintor en las colecciones reales”, explica Portús, Jefe de Departamento de Pintura Española. “La de los retratos de la corte papal realizados en Roma y la proliferación de figuras femeninas e infantiles en su producción cortesana de la última década”.

Como sobresalientes ejemplos de la primera categoría se juntarán de modo excepcional cuatro en una misma sala: la versión del 'Inocencio X' que Velázquez se trajo a Madrid y regresa a España por primera vez desde su salida durante la Guerra de la Independencia con destino final en la colección del Duque de Wellington, dos retratos cardenalicios provenientes del pequeño museo británico de Kingston Lacy y de la Hispanic Society de Nueva York y el 'Ferdinando Brandani' adquirido por la pinacoteca madrileña en 2003. A la cita faltarán las representaciones de Inocencio X (Palazzo Doria-Pamphili, en Roma) y de Juan de Pareja (Metropolitan), ambos de poco menos que imposible préstamo. Con todo, lo expuesto será suficiente para observar la transformación que el pintor sufrió en Roma: su acercamiento “más carnal” —menos distante, menos español— al retrato.

Entre los pertenecientes a la segunda categoría de reinas, infantas y príncipes de escasa suerte destaca el lote de cinco cuadros (cuatro velázquez y un mazo) que llegarán del Museo de Historia del Arte de Viena, cuyos fondos habsbúrguicos se cuentan entre los mejores del mundo. La lista está formada por los retratos de las infantas María Teresa y Margarita y Felipe Próspero, el sucesor más esperado, adornado al óleo por toda clase de amuletos que de poco sirvieron: la pobre criatura murió a los tres años.

El conjunto nunca se ha visto en su integridad en la casa de Velázquez en Madrid. El interés, completado por las representaciones de la reina Mariana de Austria, va más allá de que puedan contemplarse como planetas en torno al gran sol de 'Las Meninas', obra cumbre alrededor de la que en el fondo gravita toda la muestra. Para el comisario Portús también supone la entrada de nuevos modos en la obra del pintor: las telas y sus matices invaden los retratos y pasan a primer plano detalles como floreros, relojes, adornos capilares de mariposas o mascotas. Además, sirve de demostración de que el arte siempre acaba siendo un espejo de las convulsiones políticas de su tiempo, en este caso, el de una corona en sus horas más bajas: en desesperada búsqueda de un heredero, que llegaría con Carlos II, en continuo baile dinástico, en bancarrota y en guerra contra Portugal y Francia.

Es en 1650, en medio de este torbellino, donde arranca nuestra historia, con Velázquez (1599-1660) embarcado en grandes empresas en Roma: nada menos que ejercer de retratista por excelencia de la corte papal. Felipe IV, a quien le unía una de esas relaciones largas y, por tanto, resabiadas (“me ha engañado mil veces”, escribiría el monarca a Luisa Magdalena de Jesús), se había casado el año anterior con Mariana de Austria. Y por mucho que eso fuera contra los planes del pintor sevillano, su labor era tras la llegada de la nueva reina más necesaria que nunca en la corte. “Lo que hizo a su vuelta de Madrid no supone una continuación de su arte, sino más bien la culminación: en esta época cada obra suya se cuenta por una obra maestra”, recuerda Portús, que añade: “Había mucha demanda de retratos reales. Velázquez tenía el monopolio sobre ese trabajo, era un pintor que no pintaba mucho y además tenía que atender su puesto de aposentador. Eso dio como resultado una gran producción de su taller”.

La muestra, además de dedicar una parte importante al influjo del maestro muerto en sus discípulos y continuadores (Juan Carreño de Miranda y Juan Bautista Martínez del Mazo, quienes mantuvieron con “vida propia” el retrato real), permitirá comparaciones provechosas que quizá disipen ciertas dudas: vendrán las famosas 'Meninas de Dorset', copia que algún crítico aún atribuye al sevillano. También, la 'Infanta Margarita' del Louvre.

Capaz de deslumbrar a Manet y Renoir (quien exclamó: “La pequeña cinta rosa de la infanta Margarita, ¡toda la pintura está en ella!”), acabó rebajada en su atribución por ser considerada de taller. Pese a que el museo francés aún quiere ver una gran porción del pincel velazqueño en ella, Portús no solo no alberga sospechas, sino que cree que la posibilidad que ofrecerá la muestra de ver la pieza en su contexto será definitiva “tanto para especialistas como para aficionados”. Lo mismo sucederá, opina, al comparar la Infanta Margarita en traje azul (de Velázquez, sin duda) con la vestida de rosa (que hay quien aún considera que se desatribuyó incorrectamente para acabar en el terreno de Mazo).

Para los amantes de la contabilidad, solo queda saber si la exposición conseguirá atraer visitantes al Prado. Para Georgina Adam, editora de 'The Art Newspaper' y columnista de 'Financial Times', Velázquez es uno de esos artistas cuya mera mención “conjura a las masas”, aunque la cosa se trate de una exposición recoleta. Miguel Zugaza, director de la pinacoteca, opina por su parte que “una muestra con un 20% de la producción de Velázquez es un acontecimiento en sí misma, sobre todo si tenemos en cuenta el fantástico acuerdo con Viena”. “Dicho lo cual”, añade, “nosotros no estamos en ese campeonato de cifras de visitantes. La realidad no nos lo permite”.

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Mensaje por El_Curioso_Impertinente » Mar Sep 24, 2013 7:57 am

Este hilo debería cambiar de nombre: "Cosas que hacer en Madrid cuando no estás muerto y estás en Madrid" :cry:
Todos los seres humanos cometen errores, pero algunos seres humanos cometen más errores que otros y a ésos se los llama "tontos" (Fray Guillermo de Baskerville).

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Rogorn
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Mensaje por Rogorn » Vie Oct 04, 2013 9:25 pm

Recopilación sobre la nueva exposición de Velázquez en el Prado:
http://cultura.elpais.com/tag/diego_velazquez/a/

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Mensaje por Ada » Dom Oct 06, 2013 4:08 pm

Rogorn escribió:Ruta guiada por el Madrid del Capitán Alatriste 08 de septiembre

http://www.madridestuyo.com/actividades ... -alatriste

Os lo recomiendo, no es la misma visita que vimos hace años (con partes teatralizadas) esta es visita con explicación a algunos de los escenarios de los primeros libros. Con citas de las novelas, comentarios, etc
Bien documentada, con el beneplácito de Arturo.
Lo hice a través de Carpetania Madrid (o algo asi). También tienen Madrid de los Austrias, de Velázquez, de Galdós, de Sabina,...

También os recomiendo que vayáis a la exposición de los Macchiaoli. Y después veáis alguna peli de Visconti
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nexus6
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Mensaje por nexus6 » Dom Oct 06, 2013 4:28 pm

Gracias, Camarada.
Yo he visto cosas que vosotros no creeríais. Atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto Rayos-C brillar en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia.Es hora de morir

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